Nos inclassables - objets non identifiés

Aujourd'hui j'ai eu rendez-vous pour un contrat deprofessionnalisation. Dans le milieu culturel c'est assez exceptionnel pour me donnerle prétexte de rédiger un article.

Un contrat pro, cela signifie une vraie mission, le temps dela réaliser, un salaire décent (ça se prend!) et l'espoir d'être embauchée à lafin.

Du coup, depuis une semaine, je me prépare et je trépigned'impatience. J'ai donc décidé de partager cette expérience avec vous. On nesait jamais ça peut servir !

Mode d'emploi en trois leçons.

         1. Qu'est-ce qu'un contrat de professionnalisation ?

Le destinataire :

Le contrat de professionnalisation est destiné à trois typesde bénéficiaires :

✔    les étudiants de 16 à 25 ans révolus

✔    les demandeurs d'emploi âgés de 26 et plus

✔    les bénéficiaires de certaines allocations oucontrats

L'objectif :

Le contrat permet au bénéficiaire d'acquérir unequalification professionnelle ou de compléter sa formation initiale en vued'accéder à un poste déterminé dans l'entreprise.

Cette définition inclut l'idée que le contrat débouche surune embauche. Il représente donc une véritable opportunité pour un jeunediplômé entrant fraîchement sur le marché du travail.

La durée :

Le contrat peut être conclu pour une durée de 6 à 12 mois(voir 24 mois sous conditions particulières). Durant cette période, lebénéficiaire occupe un poste défini et mène à terme différentes missions.

Cette expérience est extrêmement valorisante sur un C.V.puisqu'aux yeux d'un futur employeur il signifie que son bénéficiaire a occupéun poste comme salarié.

Un accès à la formation :

Le contrat est accompagné obligatoirement d'un accès à laformation. Cette dernière peut être mise en place par un organisme public ouprivé, ou par l'entreprise elle-même. Sa durée est comprise entre 15% et 25% dela durée totale du contrat, et ne peut être inférieure à 150 heures. Cetteformation implique qu'un tuteur encadre le bénéficiaire dans les missions quilui sont dévolues au sein de l'entreprise mais également pour le suivi de saformation.

La rémunération :

Ici encore, le contrat est intéressant. Les 16/25 ans sontrémunérés en pourcentage du SMIC selon leur âge et leur niveau de formation, etne peut être inférieur à 55% du SMIC. Les plus de 25 ans quant à eux, nepeuvent percevoir une rémunération inférieure au SMIC et à 85% du salaireminimum conventionnel. Du côté de l'employeur, il permet d'accéder souscertaines conditions à une exonération de cotisations patronales ainsi qu'à denombreux avantages tel que le remboursement des frais de formation.

              2. Lapréparation : envisager toutes les possibilités

Si aucune solution toute faite ne permet de préparer au mieuxson entretien, à mon sens quelques règles peuvent cependant être respectées.

Tout d'abord connaître sur le bout des doigts la législationconcernant le contrat pro. (voir site dugouvernement). En effet, il n'est pas certain que l'entreprise quevous rencontriez sache réellement ce que signifie ce type de contrat, ou ne leconfonde avec un contrat d'apprentissage. De plus malgré une législation longueet relativement barbante, certaines conditions du contrat ne sont pas précises.C'est le cas notamment de la rémunération. En effet aucune grille n'estdisponible pour savoir à quel salaire vous pouvez prétendre en fonction devotre niveau d'études. Même s'il est bien entendu impossible d'établir unegrille fixe, il aurait été intéressant que le gouvernement fixe un pourcentagefixe par rapport au salaire du poste occupé.

Ensuite comme pour un stage, il est indispensable deconnaître : le secteur d'activité de l'entreprise, ses missions, sonorganigramme, mais également ce que réalise la concurrence. Si vous avez lapossibilité de connaître l'intitulé exacte du poste, il est indispensable de serenseigner sur les missions qu'il entraine, la formation classique de ce poste,la rémunération standard, etc. Ces connaissances vous permettront d'être actiflors de l'entretien et de transformer vos particularités en forces si votrecursus est différent du cursus standard (ce qui est mon cas).

Personnellement je me suis préparée encore plusméticuleusement pour cet entretien que pour mes candidatures en stage, enmaster ou à des bourses d'état. En effet le contrat pro. ne peut être concluque dans le secteur privé, ce qui exclut donc une grande majorité desstructures embauchant dans le domaine culturel. Il est souvent méconnu, ce quipeut entrainer quelques craintes du côté de l'employeur. De ce fait j'aivraiment considéré cet entretien comme une chance exceptionnelle et j'airedouté la concurrence.

Après avoir travaillé le contenu de l'entretien, j'aitravaillé ma prestation. Aujourd'hui sur le web vous pouvez trouver desdizaines de vidéos réalisées par des coachs : « Parlez-moi de vous,que répondre à cette question ? », « Entretien d'embauche :jeune diplômé » ou encore « Langage corporel et non verbal, lesgestes qui trahissent ». D'accord les titres sont racoleurs, le formatfait très école de com' et l'on peut craindre que ce genre de conseils ne soitque peu adapté au secteur culturel. Cependant ces vidéos ont troismérites : se préparer au cas où votre futur employeur est un sadiqueposant des questions complètement tordues et sans aucun intérêt pour leposte ; réfléchir à de véritables questions et vous apprendre à vousmettre en valeur ; vous détendre en ayant l'impression que vous avez toutfait pour vous préparer au mieux. Personnellement ayant eu sous la mainquelqu'un d'assez sympa et tordu pour simuler avec moi un entretien, je l'airépété plusieurs fois pour parer à toutes éventualités.

3.  Nouveau look pour un nouveau job

La veille au soir j'ai entré l'adresse de l'entreprise dansmon GPS et j'ai préparé ce que j'allais mettre. Cela peut paraître trivial,mais pour moi c'est essentiel. Votre tenue est la première impression que vousallez donner à celui qui sera votre futur employeur. Lors de ma formation endroit, la question était beaucoup plus simple : tailleur ou costume derigueur ! Lorsque j'étais en histoire de l'art, chacun s'habillait commeil le voulait et ça ne choquait jamais personne (hormis peut-être moi). Maispour une entreprise dans le domaine culturel ? Certes on ne doit pas avoirun look de banquier, mais on ne doit pas non plus adopter celui d'un hippie. Ducoup j'ai essayé de repenser à tous les interlocuteurs que j'ai rencontré dansce secteur. Le plus souvent ils étaient habillés de manière assez classique,mais avec un élément original. Du coup j'ai opté pour un tailleur mais avec uneveste décalée. Je me sens à l'aise dans cette tenue, et s'il ne faut retenirqu'un conseil en terme vestimentaire, c'est bien celui-là : se sentirbien, voire jolie, inconsciemment ça permet d'avoir confiance en soi.Personnellement je pousse le vice jusqu'à avoir des sous-vêtements fétiches etdes chaussettes sans trous, même si personne ne les voit !

J'ai aussi préparé mon sac avec mon carnet de note (pourréviser dans la voiture parce que je savais que je serai très en avance), uncrayon présentable : ni rose fluo, ni mâchouillé, ni publicitaire. J'en prendtoujours un second au cas où on interlocuteur n'en aurait pas sous la main.Dans une chemise au nom de l'entreprise j'ai rangé mon C.V. et ma lettre demotivation, une fois encore au cas où mon interlocuteur ne les aurait pasimprimés. Je vous conseille également d'imprimer la documentation relative aucontrat de professionnalisation, ainsi que la plaquette de votre formation. Sivous avez un book relatif à vos différents projets, pensez à le prendre, çapermettra de valoriser votre expérience.

Ensuite je me suis fait une petite séance de sophrologiepour m'endormir calmement, et éviter de répéter l'entretien toute la nuit. Bonje sais, dit comme ça, ça fait un peu bobo, mais ça marche pour moi. Après àchacun sa solution : sport, lecture, série TV, un petit verre de rhum …Enfin tout ce qui vous permettra de passer une bonne nuit.

Le matin, je me suis laissée plus de temps que d'habitudepour prendre un véritable petit déjeuner, afin d'éviter que mon ventre negargouille durant tout l'entretien. J'ai prévu une demi-heure de battement avecl'horaire prévu, résultat comme d'habitude j'ai attendu dans la voiture. Aufinal cela m'a permis de relire quelques notes. Deux minutes avant l'heureprévue j'ai respiré un grand coup, j'ai croisé les doigts et j'ai sonné à laporte.

Au final l'entretien a duré une heure, j'étais contente del'avoir préparé autant même si mon interlocuteur ne m'a pas posé de questionspièges. J'ai mis en avant mes qualités, mais n'ai pas menti sur les sujets queje ne connaissais pas. Comme le conseillait la vidéo sur youtube j'ai faitattention de ne pas jouer avec mes mains ou avec mes cheveux.

Au sortir de là, j'étais plutôt contente de ma prestation etavais un bon pressentiment. J'espère donc que mon prochain article sera un guidede survie pour gérer un contrat pro, une formation prenante, un projet tuteuré,un mémoire, et une vie sociale !

MarionBoistel

Pour de plusamples informations sur les conditions d'accès au contrat pro :

http://travail-emploi.gouv.fr/informations-pratiques,89/les-fiches-pratiques-du-droit-du,91/contrats,109/le-contrat-de-professionnalisation,992.html

Pour regarderdes vidéos rigolotes mais tout de même instructives sur la manière de préparerun entretien :

https://www.youtube.com/watch?v=AYtAhi-YE9U

#contrat pro. 

#préparation 

#entretien

Dans l'imaginaire collectif l'atelier d'artistes est situé dans un paysage de campagne ou en bord de mer dans une petite maison entouré de verrières ou encore, plus contemporain dans des lofts londonien ou new yorkais. Mais l'atelier d'artiste a d’autres ancrages que ces types d'environnement. Les besoins de l'artiste se définissent aussi suivant sa spécialité et par les facteurs liés à son statut. La situation parfois précaire des artistes complique les possibilités de location de lieux spacieux. Par ailleurs il n'est pas rare pour l'artiste de faire face à des rapports compliqués avec les bailleurs. Les loyers vont de 0 à 515 euros selon que l'artiste s'installe dans un squat ou loue un lieu seul1. Une situation fréquente est celle où l'artiste se trouve face à un bailleur social et que celui-ci mise sur la venue d’un artiste comme tremplin pour une revalorisation du quartier, une participation à la vie collective, voire des créations installées dans le lieu de résidence.Sur la métropole lilloises plusieurs collectifs d'artistes installés rencontrent des difficultés dans leur lieu de création : problèmes de partage de l'espace, stigmatisation par les habitants comme lieu de « squat», bâtiment peu cher mais construit avec de l'amiante obligeant ces lieux à fermer pour travaux de désamiantage (la Ferblanterie à Villeneuve d'Asq).

Toutes ces problématiques poussent de plus en plus d'artistes à s'installer en collectifs de différentes manières pour permettre des économies de loyers, mais aussi de la co-création et du prêt d'outils. Ce type d'atelier d'artiste collectif n'est pas si récent. Le mouvement des squats artistiques qui a commencé dans les années 90 a lancé et posé les questions qui ont permis à l'art et aux structures culturelles d'avancer. Aujourd'hui encore les collectifs d'artistes et quelques grandes institutions (Palais de Tokyo, le 104) vivent sur ces idées. Les grandes interrogations des squats étaient nombreuses, quel est le rapport de l'art à un quartier? Le partage est-il un moyen de contrer la vie précaire de l'artiste? Comment proposer plus de transversalité dans les œuvres d'art? Ainsi les squats développent de nouvelles manières de créer avec des solutions collectives en se penchant sur des logiques de plateau technique, sur un espace en dehors des normes ouvrant des possibilités, plutôt qu’un espace définissant un usage unique. Les squats proposent donc un espace de dialogue, d'échanges de création, de source d'inspiration.

« (…) le but final de toute activité plastique est la construction ! (…) architectes, sculpteurs, peintres ; nous devons tous revenir au travail artisanal, parce qu’il n’y a pas d’art professionnel ; il n’existe aucune différence essentielle entre l’artiste et l’artisan (…) nous voulons, concevons et créons ensemble la nouvelle construction de l’avenir, qui embrassera tout en une seule forme : architecture, art plastique et peinture (…) »

Extrait du manifeste du Bauhaus (1919)

Le manifeste du Bauhaus défendait l’égalité entre l’artiste et l’artisan tous les deux visant à créer. C’est cette notion que les tiers lieux et les collectifs d’artistes ont bien intégrées. En plus de voir le lieu comme des ateliers partagés ils les ont pensé comme ateliers de « créatifs », « appellation » plus large permettant de pouvoir associer artistes et artisans. Ainsi de plus en plus d’artistes s’installent dans des ateliers collectifs appelés tantôt tiers lieu tantôt collectif d’artistes. Selon les dires de plusieurs artistes interrogés à la Co-fabrik de Lille cela leur permet surtout d’échanger sur les techniques de chacun et de faire évoluer leur création mais aussi de leur donner de nouvelles sources d’inspiration. Une artiste en sérigraphie vient ainsi en aide à une artiste verrier pour lui permettre de trouver de nouvelles techniques pour faire de la sérigraphie sur verre ou encore une doreuse à la feuille d’or devient source d’inspiration pour créer de nouveaux bijoux en verre incrustés d’or.

Volume Ouvert © M. P.

Mais pour que cette collaboration et ce travail puissent se faire ensemble dans les meilleures conditions il faut prendre en compte les besoins de chacun. Certains créatifs ont effectivement des processus de création qui ne peuvent pas s’associer. Par exemple un ébéniste ne peut pas travailler à côté d’une peintre au risque de retrouver de la poussière de bois dans la peinture etc…C’est sur ses problématiques que travaillent aujourd’hui les nouveaux collectifs d’artistes. Par exemple à Volume Ouvert (collectif de Lille), chaque créatif qui s’installe exprime ses besoins en termes d’espace et d’isolation et construit avec des systèmes de cloisons en palettes son propre atelier allant de 10 à 70 m2 selon ses besoins. Néanmoins cela n’empêche par la coopération et la création d’un volume commun permettant exposition, cours, travail collaboratif selon les demandes des créatifs. De plus le fait de travailler dans un espace commun est aussi une demande des artistes pour ne plus être isolés dans leur création, pour partager leurs réseaux. C’est un facteur de lien, d’ouverture sur les autres qui permet une structuration de la profession et l’émergence d’une conscience collective.

La Co-Fabrik © M. P.

Ces expériences nous montrent que comme dans beaucoup de domaines actuels les professionnels se tournent vers plus de partage, de mutualisations des moyens et des lieux de sociabilités, favorisant une création transversale et transdisciplinaire. Aujourd’hui émergent les co-commisariats d’exposition et un climat d’échange qui pousse aussi les institutions à imaginer le musée de demain comme un lieu transdisciplinaire.

M. P.

#atelierdartistes

#cohabitation

#cocréation

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1 Tarif tiré d'une étude sur l'île de France et les ateliers d'artistes en 2009 par le Conseil Régional d’île de France

Tous ceux qui ont déjà écrit un mémoire de master dans leur vie savent bien que le stress peut vite prendre le dessus… On considère souvent qu’on aurait pu mieux s’organiser, on scrute ses camarades en essayant de leur soutirer des stratégies organisationnelles, qui en réalité, n’existent pas sur la planète Terre… On redoute les délais encore plus que le mauvais œil.

Des extraits du carnet de bord de mon mémoire éclairent des moments de ce parcours commun aux étudiants en master et démystifient – s’il eut été besoin –l’existence d’un parcours de mémoire standard à suivre, sans obstacles et au résultat certain.

Arras, juin 2014. Je suis arrivée à la fin de ma première année du Master Expographie-Muséographie et je  dois choisir un sujet de mémoire. Je suis italienne, j’ai dans ma poche un diplôme en ethnologie et je collabore avec un collectif photo. J’ai donc tout naturellement orienté mes recherches vers une analyse comparative de l'utilisation et du rôle joué par la photographie dans les expositions qui traitent des migrations entre la France et l'Italie.

NB :les recherches dédiées à l’écriture d’un mémoire en muséographie ne sont pas uniquement faites de consultations de livres à la bibliothèque, mais autant de visites et de rencontres, des interviews et de retranscriptions. Un agenda et un magnétophone constituent le kit de base du muséographe en visite. 

L'entrée au Musée National de l’émigration italienne auVittoriano

Rome, Décembre 2014. Je rentre en Italie et je vais à Rome pour visiter leMusée national de l'émigration italienne. Carnet de bord à la main et appareilphoto autour du cou je descends à l’arrêt du métro Colisée et, après un quartd'heure de marche, me voici devant le Vittoriano.[1] Enson sein, dans une aile du rez-de-chaussée, a été ouvert en 2009 le musée enquestion. Promu par le Ministère des Affaires étrangères en collaboration avec celuides Biens et Activités culturels, ce musée fait le point sur l'émigrationitalienne dans le monde, à travers un parcours chronologique qui va du MoyenÂge à nos jours.

AVERTISSEMENT : la pause de Noël se rapproche, pour moi c’est synonyme d’Italie, de retourchez moi. Dans le Master on « bosse » dur et le mot «vacances» nefait pas partie du lexique de l’apprenti muséographe qui, au contraire, profitede ce que les autres appellent «vacances» pour avancer sur les différentsprojets, et pour ranger le tas de post-it qui envahissent son bureau.

Vittoriano, 10h30. J’avais préparé ma visite, je savais ce que jecherchais et avec quoi je voulais revenir. Tout d'abord, le catalogue del'exposition[2].J’en avais déjà consulté des extraits en ligne, et j’avais remarqué desarticles susceptibles de m’être utiles dans l’écriture de mon mémoire. J’entredans le musée, je le vois, m’en approche pour le feuilleter et demande s’il estpossible de l’acheter. Giuseppe, le gentil gardien-médiateur à qui je m’adresse,m’informe que le catalogue n’est plus en vente, qu’il est épuisé, et qu’à sonavis l'éditeur n’envisage pas de le réimprimer. Bien qu’un peu frustrée, je neme suis pas découragée ! J’ai noté sur mon carnet de bord de me rappelerde le chercher d’occasion sur internet. Après cela je lui ai demandé si, parmitoutes les autres publications bien placées dans la bibliothèque derrière lui,il y en avait qui traitaient des sujets qui m’intéressaient. La réponse fut un« non » catégorique. Rien n’était à vendre, par contre j’aurais pu consulterles publications du centre de documentation, accessible via un escalier en colimaçonau milieu de l'exposition, vers lequel m’a guidé Giuseppe. J’étais tellementpréoccupée par mes recherches théoriques que j’ai négligé l'exposition, y jetantun simple un coup d’œil en passant.

La consultation des publications dans le centre dedocumentation du musée

A NE PAS OUBLIER : c’est très utile de préparer les visites aussibien que de programmer un calendrier pour rencontrer les personnes-ressourcedes institutions. Ceci dit, cela ne doit pas  empêcher de suivre les principes del’ethnologue sur le terrain : il observe silencieux, il note discrètement,il photographie sans se faire voir, il se présente en faisant la connaissanced’autres figures professionnelles potentiellement intéressantes pour sarecherche et probablement intéressées par son sujet de mémoire.

Giuseppe me rassure : ilest sûr que parmi toutes les publications il y a ce qui m’intéresse mais medemande combien de temps je dispose pour les trouver car il n’y a pas derépertoire pour procéder rapidement aux recherches des publications. Enfin, ilm’informe que les livres sont uniquement consultables sur place et qu’il n’y a aucunephotocopieuse à disposition des chercheurs. C’est alors que je perds tout espoir ! Giuseppe l’abien remarqué, sur mon visage s’affiche une expression d'impuissance. Compréhensifet complice il s’approche de moi en me demandant si j’avais un portable quiprenait des bonnes photos… À bon entendeur...

Ah, il allait oublier, ilrevient vers moi pour m’informer que depuis deux jours il n’y a pas deconnexion internet au musée. Par conséquent, les dispositifs généralement utiliséspour l’accès aux dossiers informatisés des Italiens émigrés sont hors d’usage. Visiblementdésolé il m’avoue qu'il a prévenu les techniciens mais que personne n’estjamais arrivé.

Je m’assieds face à unebibliothèque qui me défie de toute sa hauteur. Penseuse je me demande pourquoitout est si compliqué et pourquoi, après une demi-heure dans le musée, le seulaspect positif a été ma rencontre avec Giuseppe, à l'écoute du visiteur et grandconnaisseur du sujet.

Vue d'ensemble de la dernière partie duparcours d'exposition. Sur la gauche, l'escalier qui monte à la bibliothèque

© Comunicare Organizzando – Rome

RAPPELEZ-VOUS : nous pouvons adopter différentes stratégies pour essayerd’être efficaces, mais le terrain est semé de surprises et d’inattendus à géreravant de se trouver sur le terrain. Les rencontres professionnelles sont àalimenter au fil du temps, elles pourront nous être bénéfiques encore, une foisdiplômés.

Vittoriano, 15h30. Je descends l'escalier en colimaçon et je me rends comptetrès vite que le défi posé par la bibliothèque n’avait rien à voir avec ce quim’attendait en bas : un parcours chrono-thématique en cinq sections etvingt-trois sous-parties pas du tout interactif et à la scénographie datée. Jeme sens submergée par une proposition muséographique trop riche : les textes, lesdocuments d’archive et iconographiques, les chants des migrants qui accompagnentune grande partie du parcours de visite, tout cela proposé sans différencierplusieurs niveaux de lecture. Il en résulte donc un parcours trop dense quidémotive la plupart des visiteurs préférant ne pas le terminer.

Garede Roma Ostiense, 00h15. J’attends mon train de nuit pour remonter jusqu’à Gêneset j’en profite pour faire un bilan de ma journée. Pendant que je vois Romedisparaître par la fenêtre de ma voiture je pense que mes attentes n’ont pastoutes été satisfaites. Mise à part la rencontre avec Giuseppe et monavancée dans les recherches bibliographiques, le parcours d’exposition du seulmusée national dédié à l’émigration italienne m’a déçu. Je m’attendais à uneproposition moins standard, à une scénographie plus récente dans ses choix,aussi bien des matériaux que des supports d’exposition et à un parcoursimmersif dont je n’ai pas trouvé trace.

ETRE REALISTES : je prévoyais de mettre au propre mes notes et de commencer à liredes articles dans le train du retour mais, après une journée sur le terrain, jeme suis endormie juste après avoir allumé mon ordinateur. Qu’est ce que voulezque je vous dise, j’assume, je suis encore une apprentie muséographe.  

La Berta Viola

[1] IlVittoriano est un ensemble monumental érigé il y a un siècle dans le centre deRome, à l'honneur du premier roi italien, Victor-Emmanuel II de Savoie.

[2] Lemusée se compose d’une seule exposition permanente et ne prévoit pas lapossibilité d’en présenter des temporaires. C’est pour cette raison que dans letexte d’ouverture de l’exposition le commissaire d’exposition en parle commed’un « musée-exposition ». 

L’art de la cocktailerie est bien connu, il s’agit de bien savoir mélanger aux bonnes doses des liqueurs, sirops, etc. le tout soigné d’une belle décoration.

Crédits : potion de vie.fr - 2014

L’art de la cocktailerie est bien connu, il s’agit de bien savoir mélanger aux bonnes doses des liqueurs, sirops, etc. le tout soigné d’une belle décoration...

Et bah, dans le monde de l’art c’estpareil ! Surtout quand il s’agit de colloques, rencontres, séminaires,symposiums, journées d’études ; dans tous les cas on est face à desmoments ou les professionnels de la culture sont en contact entre eux. Ainsique dans un cocktail chacun des composants peut exprimer son individualité etsa créativité, également au sein des conversations et échanges entre cesacteurs au cours desquels on reconnaît bien les idéaux et théories que chacunpostule. Chacun apporte sa saveur!

Et comme dans tout bon cocktail c’est lemélange qui fait la magie, c’est d’ailleurs à ces occasions que nous, jeunesétudiants, pouvons nous mêler aux spécialistes de diverses disciplines,conservation, médiation, régie, théoriciens, directeurs des musées, etc. et lesapprocher plus facilement en participant aux pauses déjeuners, soiréesd’événementiels, qui sont de belles occasions de rencontres. On rencontre despersonnes passionnées par leur métier dans une ambiance conviviale, il fautavouer qu’autour d’un verre les personnes sont plus détendues et à l’écoute, etque le design culinaire autant que les plaisirs de la conversation fontpleinement partie des vernissages, tant préparés.

Crédits : L'Art de Muser - 2012

Une fois qu’on a réussi à lesapprocher (ce qui est tout un art aussi : savoir reconnaitre quelqu’un quel’on n’a jamais vu, qui bien sûr porte un badge… mais retourné et pas visible…)à nous de savoir jongler avec grâce entre propositions et idées comme un bonbarman qui fait du « flair bartending », pour étonner et surprendrenotre interlocuteur. C’est à ces moments là que peuvent se dévoiler devant nousdes opportunités : pour un travail de recherche, ou pour un stage, ou bienune opportunité de travailler ensemble sur un projet ; à nous d’être commeun mistral,étonnant et fraichementservi. Et comme dans le monde du cocktail « l’art n’est pas affaire dequantité, mais de temps et d’imagination », faire des propositionsinnovantes.

 Dans la vie, il faut savoirrencontrer pour trouver des opportunités. Si on ne les trouve pas, comme un bonmaitre du cocktail, il faut savoir agiter ! Créons nous-mêmes cesmoments ! Allons à la rencontre ! Mais surtout chers amis, prenez cecicomme un conseil, il ne faut JAMAIS, JAMAIS rater l’occasion, en toutemodération, de prendre un bon cocktail !!

AndreaVázquez

Qu’advient-il du mobilier d’une exposition temporaire quand elle se termine ? Ce n’est pas la question que l’on se pose lorsqu’on visite une exposition, sauf si, comme moi, vous voulez tout remporter chez vous). Par contre, c’est une question que se posent les concepteurs d’exposition, qu’ils soient exécutants ou commanditaires. Petit tour d’horizon des différents cas de figure.

Direct à la poubelle...

Le cas le plus triste est l’aller simple à la case poubelle. Faute de moyens de stockage ou manutention, les lieux d’exposition doivent se résoudre à jeter les mobiliers utilisés. Mais comme l’éco-conception rentre de plus en plus dans les mœurs, les déchets occasionnés ne sont pas forcément importants. Si quelque chose doit vraiment être jeté, un suivi est mis en place pour que les déchets soient acheminés vers les centres de tri appropriés. Au musée portuaire de Dunkerque, l’exposition Tous pirates ? finira sa course à la poubelle, excepté pour certains éléments qui peuvent servir à la médiation. C’est aussi le sort qui a été réservé à l’exposition Zizi Sexuelréalisée par la Cité des Sciences et de l’Industrie. 

Mobilier de Zizi sexuelà la Cité des Sciences et de l’Industrie © Sortir à Paris

Vive le réemploi !

Consciente des enjeux, la Cité des Sciences a élaboré un guide d’éco-conception des expositions pour ne pas reproduire cette destruction. Ainsi l’exposition Ma terre première pour construire demain a été conçue de manière à ce que les supports soient réutilisables pour d’autres expositions : avec une nouvelle esthétique, les supports embrassent une nouvelle identité. 

Les structures de Ma terre première pour construire demain © Musées et développement durable

La conception de mobilier durable et réutilisable dès le départ d’une exposition n’est pas encore de mise partout. C’est toutefois le cas à la BnF, sur le site de Richelieu, où des cimaises mobiles conçues en 2007 ont été réutilisées quatre fois par la suite.

Quand le mobilier ne peut resservir tel quel comme dans le cas précédemment abordé, il est stocké dans l’attente d’une possible réutilisation ou d’une itinérance. Au Musée National de l’Education à Rouen, le mobilier est stocké là où on peut, sans lieu dédié, jusqu’à sa réutilisation. Le Musée essaye de prévoir celle-ci en amont, en demandant aux scénographes lors de la conception des nouvelles expositions d’essayer de réutiliser l’existant. C’est le même principe à la BnF, qui inclut dans les cahiers des charges de nombreux critères de développement durable, dont l’obligation d’utiliser au maximum les vitrines existantes. Au Musée de l’île d’Oléron, ce sont des matériaux de récupération qui servent à faire les expositions et qui, une fois celles-ci terminées, sont “remis en jeu”. Pour l’exposition À la côte, des palettes furent utilisées pour créer des cloisons puis servirent à la manutention au sein du musée. 

Les palettes de À la côte © photos du musée de l’île d’Oléron

De son côté, le musée de Bretagne dispose de peu d’espace de stockage dédié aux matériaux bruts, c’est pourquoi on n’y garde que des grandes surfaces de bois ou de plexiglas, qui peuvent être réutilisées pour d’autres usages. Des cloisons de la dernière exposition de l'Écomusée du pays de Rennes ont été utilisées pour l’exposition-écrin Louise de Quengo - Dame des Jacobins qui a eu lieu cet hiver. 

L’exposition Louise de Quengo - Dame des Jacobins© Musée de Bretagne

A l’inventaire !

A l’inverse, Rennes Métropole a mis à disposition du musée un espace où sont gardés tous les mobiliers moins ordinaires. Ceux-ci sont répertoriés dans une base de données indépendante, qui est communiquée aux scénographes pour privilégier la réutilisation en amont même de la conception. 

D’autres lieux d’exposition possèdent des espaces de stockage conséquents pour leur mobilier d’exposition. C’est le cas du Centre Pompidou-Metz qui, dans une ancienne base aérienne, conserve les mobiliers intéressants. Un inventaire de ce mobilier est tenu à jour pour faciliter la réutilisation. La Cité des Sciences et de l’Industrie dispose elle aussi d’un tel lieu, où le mobilier est entreposé en attente d’itinérance ou de réutilisation. 

L’entrepôt de la Cité des Sciences et de l’Industrie © M. C.

L’essor des ressourceries

Si la réutilisation des mobiliers n’est pas possible pour le lieu d’exposition lui-même, cela ne veut pas dire qu’elle n’est pas envisageable pour quelqu’un d’autre. Au musée de Bretagne, c’est La Belle Déchette, une ressourcerie qui donne une seconde chance à des objets et matériaux réutilisables, qui récupère une bonne partie du mobilier que le musée ne peut pas garder. Sinon, les chutes de matériaux font le bonheur des petites associations et des maisons de quartier de Rennes. 

Upcycling, késako ?

La BnF, lorsqu’elle ne fait pas des expositions en carton, donne ses bâches d’exposition à la société bilum, qui les “upcycle” en articles de bagagerie. L’upcycling est l'action de récupérer des matériaux dont on n'a plus l'usage afin de les transformer en produits de qualité ou d'utilité supérieure : c’est du recyclage « par le haut ». En plus de l’intérêt écologique, l’upcycling crée des objets uniques, comme cette gamme de bagagerie à partir des expositions Astérix à la BNF et Astérix s'affiche à Bercy Village. La RMN-Grand Palais et le Louvre font aussi confiance à bilum. 

Modèles issus des expositions Astérix à la BnF, Monetet Hokusai© bilum

Plus tournés vers le grand public et sans partenaire régulier, les Ateliers Chutes Libresinvestissent des lieux d’exposition le temps d’un atelier, pour réutiliser les chutes de matériaux d’exposition et fabriquer des objets divers à destination du grand public. 

Et les coopératives ?

La règle des 3R (réduire, réutiliser, recycler) est de plus en plus respectée par les musées et lieux d’exposition. Toutefois, les exemples abordés ici ne sauraient être représentatifs du paysage français, qui est bien plus varié. La vie du mobilier d’exposition temporaire devrait être une question centrale pour toutes les institutions : certaines ont du mobilier qui ne va plus servir mais qui pourrait servir à d’autres, des manipes et des maquettes, du matériel audiovisuel,... Il faudrait, comme Michaël Liborio le suggère dans l’ouvrage Musées et développement durable, créer une coopérative de mobilier d’exposition à l’échelle d’une région, d’un département ou tout simplement d’un réseau d’institutions. Une coopérative de ce type permettrait à bien des lieux de faire des expositions qu’ils ne pourraient faire autrement, et aux autres de s’engager plus fortement dans une démarche durable et solidaire. 

Si l’on se penche sur l’éco-conception des expositions, il y a beaucoup à dire, à réfléchir et bien sûr à faire. De nombreuses structures se sont déjà engagées dans cette voie (la BnF, Universciences pour ne citer qu’elles), et il y a fort à parier que d’autres vont suivre d’ici quelques années.

Juliette Lagny

#recycler

#expositiontemporaire

#développementdurable

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Pour en savoir plus :

CHAUMIER Serge et PORCEDDA Aude (sous la direction de), Musées et développement durable, Paris, La Documentation Française, 2011

DEROUAULT Serge et RIGOGNE Anne-Hélène, « Une gestion responsable des expositions temporaires à la Bibliothèque nationale de France », La Lettre de l’OCIM [En ligne], 140 | 2012, mis en ligne le 01 mars 2014, consulté le 06 janvier 2018

http://journals.openedition.org/ocim/1035

De passage à Amiens, en attendant le prochain train, le temps de vagabonder dans le centre-ville, l'idée évidente est de visiter la cathédrale Notre-Dame.

Entailles, Wilson Trouvé, Amiens © Yann Monel 

De passage à Amiens, en attendant le prochain train, le temps de vagabonder dans le centre-ville, l'idée évidente est de visiter la cathédrale Notre-Dame. Une fois le pèlerinage terminé, nous descendons la rue de la Barette, remontons les berges de la Somme, le soleil d'automne nous pousse à traverser le fleuve pour rejoindre le parc qui le longe. Notre marche hasardeuse se complique: des cours d'eau de plus plus nombreux nous barrent la route, la nature se densifie et nous impose l'assistance d'un plan. Sous nos yeux, une étendue immense, un archipel d’îlots entrecoupés de minuscules cours d'eau. Nous imaginons une formation naturelle: ruisseaux, îles et mangroves découlant des eaux du fleuve qui abreuvent et inondent ces terres. Au loin, des barques accostent, déchargent et chargent ce qui semble être badauds et touristes. Nous en sommes.La Maison des Hortillonnages

Le lieu appartient à l'Association pour la protection et la sauvegarde du site de l'environnement des hortillonnages. Notre sentiment se précise: l'endroit n'est pas un quelconque espace vert mais une particularité amiénoise. Impatients d'embarquer, nous sommes munis de tickets et d'un plan détaillant chaque nom des canaux qui découpent les lieux. Mais du cheminement naturel qui nous a conduit en ce port, s'est éveillé en nous une curiosité inattendue : la signification de ce mot bien étrange: Hortillonnage. Une salle est prévue pour répondre à nos questions. Le décor rustique tient d'une cabane de chasse. Films d'archives et photos anciennes nous permettent de nous fondre et comprendre l'histoire du site, son utilité, sa faune, sa flore et le plus intriguant: ses habitants.

Vue du ciel, Amiens © Licence Creative Commons

Les Hortillonages, Amiens © C.V

Une nature façonnée par l'homme

Le sentiment d'être au centre-ville de la capitale picarde s'est évanoui, mais la brève exposition d'introduction vient nous le rappeler. C'est l'homme qui a comblé, creusé, défriché, détourné et enfin cultivé ce qui étaient d'anciens marais et tourbières. Non par plaisir mais par nécessité. Les hortillonnages, ces terres fertiles au cœur d'Amiens, ont permis de nourrir sa population durant des siècles. Les maraîchers transportaient leurs récoltes via des barques et approvisionnaient les étals des marchés des quais de la Somme. On estime la naissance des hortillonnages à l'ère Gallo-romaine mais le premier document qui en atteste date de 1492. 1500 hectares au XVème siècle et un millier de maraîchers pour les exploiter. L'avènement du chemin de fer entame le ralentissement de ce mode d'agriculture. En 1900, 500 hectares de terre. 300 hectares aujourd'hui, 7 exploitants pour les cultiver, 99% des îlots sont devenus des jardins d'agrément.Nous sommes appelés à embarquer, accompagnés de 10 autres personnes. Le Gouverneur, nom de notre navire, s'approche silencieusement. Une barque à cornet, bateau à fond plat aux allures de gondole, dont la rame est remplacée par un moteur électrique qui n'émet aucun bruit si ce n'est les clapotis de l'eau. Le moyen de propulsion permettra d'apprécier le calme qui habite le site et possède un atout écologique évident. A la barre Jean-Claude, enfant du pays est trahit par son léger accent bien picard. Il aura la double casquette de capitaine et médiateur. Une fois les amarres larguées, le chef à bord nous décrit les 3 km de croisière à venir, demandant aux passagers d'étudier leurs cartes et de cerner le parcours.   45 minutes soit 3 km de croisière sur les 65 km de rieux. La visite ne couvre pas l'ensemble des hortillonnages et n'est pas improvisé. Depuis le port nous nous rendons au rieu d'Orange, le numéro 13 sur la carte. La vocation du circuit est de présenter la diversité des parcelles. Il est établi en communion avec les propriétaires des îlots, ces derniers ayants émis de nombreuses plaintes à l'encontre des visiteurs qui naviguent sans encadrements et qui n'hésitent pas à emprunter des canaux privés, peu scrupuleux de l'environnement et de la quiétude des hortillonnages. 

Les Hortillonages © C.V

Balisage des rieux © La Maison des Hortillonages

                                                                              Un musée à ciel ouvert

Au fil de l'eau nous avons la preuve que les hortillonnages ont perdu leur vocation initiale de nourrir les Amiénois. Jadis ventre de la ville, ils sont désormais le poumon vert. Les nouveaux habitants, surnommés par notre capitaine "les Robinsons" y viennent pour camper, pêcher, cultiver leur potager, se baigner l'été tant l'eau y est propre... Nombreux se plaisent à mettre en scène leur parcelle tels de véritables scénographes. Nous attendions un endroit exclusivement dédié à la nature, l'expression de l'homme y est finalement foisonnante. Le visiteur est autant intrigué par l'ouvrage titanesque réalisé depuis des siècles, les hortillonnages, que l'inventivité des gens qui le font vivre. Les parcelles se succèdent mais ne se ressemblent pas: ruches, houblonnière et cabane encerclée de sculptures représentants un orchestre de jazz qui évoquent les quartiers de la Nouvelle-Orléans... L'architecture parfois audacieuse des cabanes incite à la rêverie. Les Robinsons se plaisent à afficher leurs talents d'horticulteurs, jardiniers, bricoleurs. En témoigne ce vélo posé à proximité du canal, qui pompe l'eau une fois le pédalier mis en route. Aux ambiances poétiques et colorées se succèdent des œuvres artistiques. Le 15 octobre se terminait le 8ième festival Arts, villes et paysages, organisé par la Maison de la culture d'Amiens. De jeunes paysagistes, plasticiens, architectes et designers étaient invités dans les hortillonnages pour produire des œuvres qui tiennent compte des contraintes naturelles et des spécificités du lieu. Plusieurs installations n'ont toujours pas été démontées comme l’œuvre Arcane de la plasticienne chinoise Yuhsin U Chang. Ce fragile entrelacs de branches qui semble léviter surprend sans détonner des mangroves qui l'entourent si ce n'est grâce à sa blancheur immaculée. Ici l'artiste, en évoquant la fragilité des écosystèmes, se joue une fois de plus de la nature et s'en inspire pour la mettre en scène. Des mécènes financent la préservation du site, et s'affichent en bienfaiteur sur des pancartes installées sur des îlots. Mécénat, médiateur, mise en scène, expositions et œuvres d'art, les hortillonnages sont devenus un véritable musée à ciel ouvert.

Arcane, Yuhsin U Chang , Amiens © C.V.

Les Hortillonages, Amiens © C.V.

Des hortillonnages nous mesurons l'abnégation du genre humain, son évolution au fil de l'histoire. Prêt à détourner des fleuves pour subvenir à des besoins élémentaires, également capable d'un raffinement, d'une créativité sans limite pour conserver un lieu qui avait perdu sa vocation d'exister. Si les Amiénois n'avaient pas investi ces terres maraîchères en déclin, l'endroit ne serait plus que tourbière, marais ou béton. Au-delà du caractère unique des hortillonnages, d'avoir ramené puis conservé une nature si diverse au cœur de la ville, nous trouvons en ces lieux un formidable terrain d'expression. Mesurons également les capacités de destruction de l'homme. Aux 130 000 visiteurs annuels qui embarquent chaque année grâce à la Maison des Hortillonnages dans un cadre strict, s'ajoutent 50 000 visiteurs indépendants. Les Robinsons, pour préserver leur terre ont de nouvelles questions à se poser. 

C.V#Amiens #Hortillonages#LaMaisondesHortillonnages

                                                                                                                                                   Pour en savoir plus :

http://www.hortillonnages-amiens.fr/

Souvent, durant mes visites de musées, je ressens une certaine frustration devant un élément particulier des expositions. Je vous laisse deviner : je regarde les vitrines, et finis souvent par éprouver une gêne dans le cou que l’on peut sentir à force de trop tourner la tête… Vous ne voyez pas ?

Rappelez-vous,vous êtes devant ce magnifique objet en cuivre taillé (ou cette intrigante photographie argentique dans un cadre, chacun ses goûts) et vous aimeriez en connaître les détails, alors vous cherchez autour de vous des informations.Vous trouvez le cartel : avec un peu de chance, il se situe à moins d’un mètre de vous. Avec moins de chance, vous faites quelques pas pour aller le lire. Manque de chance, arrivé devant celui-ci, vous avez déjà oublié le numéro que portait votre Graal. Vous avez beau regarder les descriptions, espérant en trouver une qui corresponde à l’objet, vous ne savez pas faire la différence entre une fibule et une broche. Alors vous revenez vers votre objet. Ah oui,numéro 35. Vous retournez vers le cartel. C’est donc une fibule, en cuivre, du IIe siècle avant Jésus Christ. Vous retournez contempler l’objet. Attendez,c’était avant ou après Jésus Christ ?

On a tous connuun moment comme celui-ci. Voire plusieurs. Des moments où les cartels étaient àplusieurs mètres de l’objet (vous avez probablement vos propres exemples).Voire des moments où les objets en vitrine ne portaient pas de numéros, et où,après avoir parcouru la vingtaine de cartels délicatement apposés en bas decelle-ci, vous avez abandonné.Et encore, je ne vous parle pas du cartel placé trop haut, ou trop bas.

Celui-ci estpas assez informatif, celui-ci trop détaillé. Celui-ci trop haut, celui-citrop bas. Celui-ci écrit trop petit, celui-ci est… où est-il enfin ?Sûrement plus loin, là où il ne gênera pas le regard du visiteur. Pourtant levisiteur attend souvent des ressources qu’il ne trouve pas toujours. Et à partdirectement à côté de l’expôt, peu d’emplacements ont grâce à mes yeux. 

Récemment, j’ai visité un musée d’ethnographie, j’ai purelever trois dispositifs pour se repérer parmi les expôts. Il ne s’agit pasici de dispenser des conseils techniques, d’autant plus que les contraintes quipèsent sur la disposition des cartels sont différentes selon les lieux et lestypes d’expôts. Il s’agit plutôt de pointer ce que j’ai trouvé de positif dansma visite.

- Celui qui mentionne où regarder

Pas renversant, mais c’est plussimple quand on sait si l’on doit regarder en haut ou en bas, à gauche ou àdroite. 

- Celui qui trône fièrement aumilieu de la vitrine

Musée de Normandie @NP

Ou qui « veille » surles expôts, à vous de voir.

- Celui qui est un peu plus que dutexte

Il est aussi un schéma explicatif qui reconstitue ce que vous avez sous lesyeux. Plusieurs expôts composent la vitrine, et ils sont difficilementséparables : j’ai retrouvé ce procédé plusieurs fois pour des collectionsarchéologiques, il permet de saisir entièrement la vitrine ou l’assemblage d’expôtsen regardant le cartel. Très pédagogique, c’est celui que je trouve le plusingénieux, et le plus pensé pour le public.

 Musée de Normandie@NP

Mais il y a bien sûr pleind’autres solutions intéressantes et qui aident le confort de visite, quellessont les vôtres ?

NP

 #Cartel

#visite

#texte

D’Alexandre Pouchkine à Elvis Presley, visitez les maisons-musées autrement

Les maisons-musées d’artistes sont aujourd’hui très populaires. Qu’on soit un amoureux de peinture, de littérature, de théâtre ou de musique, ces formes d’expositions permettent non seulement de redécouvrir les œuvres d’artistes majeurs, mais le plus souvent de plonger le visiteur dans l’intimité d’une idole, dans le contexte de l’Histoire.

Etudions trois cas précis : l’appartement-musée d’Alexandre Pouchkine à Saint-Pétersbourg (Russie), la maison de Claude Monet à Giverny (France) et enfin, la maison d’Elvis Presley, à Memphis (États-Unis) et découvrons ce qui fait l’exception de ces lieux !

Alexandre Pouchkine : le cas russe

Au cœur de la ville de Saint-Pétersbourg, situé sur les quais de la Moïka, l’appartement du poète Alexandre Pouchkine se visite depuis 1999. Aussi bien prisé des touristes que des Russes, cet appartement est en réalité celui où le poète vécut ses derniers instants, de 1836 à 1837, soit le jour du duel qui lui coûta la vie. Déjà avant son décès, il était estimé comme le plus grand écrivain russe de son siècle. Sa mort le métamorphosa en véritable légende.

Notons que l’intérieur a été précieusement reconstitué. Précieusement, voire excessivement : une véritable volonté de présentation brute, aussi fidèle que possible d’une demeure dite noble des années 1830. Le visiteur est invité à déambuler dans les différentes pièces de l’appartement, recréées avec les objets du quotidien de l’artiste et de son époque, mais aussi des gravures, des copies de manuscrits et, évidemment, des bibliothèques débordantes de livres (environ 4 000) dans les 14 langues que le poète maitrisait. Ceci jusqu’au fameux et non moins légendaire cabinet de travail, où l’on peut découvrir la lettre -que Pouchkine écrivit en français- qui fut à l'origine du duel qui lui fut fatal. Comme figé dans le temps, l’appartement se visite différemment, au point même de porter des sur-chaussons, à placer par-dessus les semelles de ses chaussures.

Cette visite sera qualifiée d’indispensable pour les amoureux de la littérature, les fans déjà conquis.

Cabinet de travail © Franchet, culture-libre.org

Claude Monet : une renommée internationale au cœur d’un village français

Domaine inscrit aux Monuments Historiques, Giverny, petite bourgade de l’Eure, fait la renommée internationale des jardins et de la maison du peintre Claude Monet. Les chiffres l’attestent : avec une moyenne de 627 000 visiteurs en 2014, par exemple.

Giverny © Fondation Monet

Tout comme le cas de l’appartement-musée d’Alexandre Pouchkine, la maison-musée de Claude Monet a pour volonté de restituer l’univers temporel dans lequel vivait l’artiste. Soulignons la particularité : les visites se déroulent non seulement dans la maison, mais aussi dans les jardins. La maison reste sur le même modèle que le cas Pouchkine : les visiteurs naviguent dans les pièces du rez-de-chaussée, en apercevant la cuisine, la salle-à-manger et sa collection d’estampes japonaises, les salons, pour ensuite accoster à l’étage pour y trouver les chambres et appartements privés du peintre. Le tout évidemment agrémenté d’objets personnels de l’artiste, marquant le contexte et les mœurs de son temps. Les jardins occupent cependant le premier rôle : il s’agit là d’une véritable attraction, aussi bien pour les locaux que les touristes. Qui ne connait pas les Nymphéas et leur fameux pont vert japonais traversant un bassin, à toute heure du jour, à toute saison ? C’est ce passage des saisons et de la lumière si chers à Monet qui fait la vie du lieu.

Cuisine familiale © Danièle Nguyen Duc Long

Giverny, au-delà du simple plongeon dans l’univers historique du peintre, est une véritable invitation au voyage au plus profond de l’intimité de son propriétaire, mais aussi de ses inspirations.

Le Pont Japonais © Fondation Monet

Graceland : the show must go on

Graceland est le manoir du compositeur-interprète Elvis Presley, légende du Rock’n’roll devenu une des icônes culturelles majeures du XXe siècle.

Elvis in Graceland © Michael Ochs Archivs/Corbis

En 2012, pour le 35ème anniversaire de sa mort, le site officiel de l’artiste annonçait le milliard de vente d’albums atteint. Mais, et surtout, sa maison de Memphis, dans le Tennessee, est devenu un véritable lieu de pèlerinage : le nombre de visiteurs varie de 600 000 à 700 000 par an. Ouverte au public depuis 1982, Graceland a accueilli quelque 15 millions de personnes. Contrairement aux maisons-musées précédentes, ce lieu ne désire pas reconstituer un intérieur, mais plutôt de le conserver tel une relique. A la mort d’Elvis Presley en 77, l’intérieur du manoir était déjà comme exposé. Il a simplement fallu pousser quelques meubles pour créer une allée de visite. Autre particularité notable, le meditation garden (jardin des méditations) : tous les Presley, le King inclus, sont enterrés au fond du jardin de la propriété. Graceland se place donc au-delà de la maison-musée pour devenir un véritable lieu de « pèlerinage ».

Grand Salon © Franck Parisel

En refusant de s’envisager comme les musées habituels, ce temple d’Elvis propose en annexe un espace d’exposition (The Entertainer Career Museum) dédié aux lubies de l’artiste, spécialement créé pour exhiber ses instruments, ses costumes de scène, ou encore les quelques 14 voitures, dizaine de motos, avion et jet privé que « Le King » possédait. Vous voilà transportés…

Elvis’ costumes © Elvis Presley Enterprises, Inc

Maisons-musées : lieux sacrés ?

Du lieu éducatif et commémoratif au véritable pèlerinage, ces maisons-musées varient par leurs approches culturelles, mais conservent toutes un point commun : la sacralisation de l’artiste et la recherche d’authenticité.

Une sacralisation qui se remarque par l’approche analogique commune aux trois lieux remarqués : l’esprit de formolisation. La maison, lieu de vie privé où l’artiste adulé se trouve à l’abri des regards extérieurs, devient alors un musée, lieu ouvert au public. Une intimité sacralisée où le visiteur est invité à entrer.

De Saint-Pétersbourg à Memphis, cette sacralité s’incarne en fonction de l’approche culturelle du pays de l’artiste : l’intelligence et la sensibilité d’Alexandre Pouchkine, l’émotion de l’homme inspiré qu’était Claude Monet, et enfin la bête de scène, le show dramatique sur-joué à l’américaine qu’incarne le souvenir d’Elvis Presley…

Julia Parisel

#artistes
#maisonsmusées
#homesweethome

Pour en savoir plus :

Musée Pouchkine

J’ai visité l’exposition « corps rebelles » au musée des confluences de Lyon. Afin de favoriser l’immersion du visiteur dans l’univers de la danse,le son prenait une place importante : dès l’entrée où se font entendre des bruissements de vêtements, des battements de cœurs, des mouvements de corps. Tout du long, l’ouïe est sollicitée par la musique sur laquelle se déplacent les danseurs, les paroles qu’ils prononcent sur leur pratique, ou les bruits qui émanent de leurs danses. Cette immersion est d’autant plus importante que chaque visiteur porte un casque.

Visuel de l'Exposition Corps rebelles © Jessy Bernier

Jouer sur les différents sens, offrir une nouvelle expérience au visiteur, mobilisant différentes sensations et émotions cela est à mon sens primordial dans l’exposition. La vue est le sens le plus monopolisé au musée. Le public voit les œuvres, lis les cartels, regarde les détails d’un objet, etc. Quelques musées proposent des expériences où l’on coupe ce sens afin d’utiliser les autres, mais cela est très rare, et le musée est avant tout un lieu visuel où le public vient pour « voir »des choses. La scénographie prend alors une place importante afin de mettre en valeur les objets, en les surélevant, les encadrant, les contextualisant, etc.Dans les musées de beaux-arts notamment l’expérience du beau est essentielle,un soin particulier est donc accordé à la mise en spectacle de l’objet. Mais aujourd’hui,le visuel n’est plus le principal sens sollicité au musée, ainsi d’autres éléments apparaissent dans la scénographie tel que la sonographie.

Lemusée dans l’imaginaire commun est encore perçu comme un lieu de silence, danslequel il faut rester calme et ne pas faire de bruit. Faire entrer l’ouïe aumusée n’est donc pas chose commune. C’est d’ailleurs ce que précise CécileCorbel dans son introduction à un article sur le son au musée :« Avanttoute chose, je voudrais dire que j’ai trouvé « amusant » — certains dirontdécourageant — lorsque je faisais part de mon sujet à mes connaissances — dontdes amis musiciens — de constater leur étonnement, voire leur incompréhension,quant au rapprochement des sons et de l’univers du musée »[1]. Cette démarche nonévidente existe pourtant. Ainsi le son fait son apparition de manièreindividuelle avec les audio-guides, qui sonorisent le discours du musée. Onpeut aussi le trouver comme objet des collections avec par exemple la diffusiond’extraits de musique dans l’exposition. Au musée Dauphinois de Grenoble pourl’exposition Nunavik, un chant de gorge inuit était diffusé pour illustrer lapratique de ce peuple, ce chant créait aussi une ambiance sonore puisqu’ils’entendait avant d’apprendre à quoi il correspondait. L’utilisation du soncomme créateur d’ambiance est un autre usage.  L’ouïe est beaucoup utilisée dans les musées,bien que sa sollicitation ne soit pas évidente, le brouillage entre pistessonores étant à éviter. Les dispositifs travaillant ce sens sont trèsintéressant car ils posent plusieurs questions. Lorsque l’on déclenche undispositif manuellement que d’autres visiteurs peuvent entendre, ne va--ton pasles gêner ? Le son peut être invasif. Il est certes possible d’utiliserdes dispositifs individuels, à ce moment-là la coupure avec les autres est plusnette. Les dispositifs avec casques ferment aux autres, ils recentrent sur lemusée, permettent l’immersion dans l’exposition mais plus l’interaction avecles autres visiteurs, ce que je trouvais dommage dans l’exposition « corpsrebelle ». Il y a alors la solution des douches sonores qui netransmettent pas le bruit à tout le monde mais qui permettent d’avoir desdispositifs individuels sans se couper des autres.

Letoucher est sûrement le 3^ème sens le plus utilisé, surtout aujourd’hui avec l’apparition des écrans tactiles qui permettent plus de médiation active. A une époque le visiteur pouvait toucher à sa guise lesobjets des cabinets de curiosité et musée, mais les dernières années on faitdes objets muséographies des objets saints, alors « prière de ne pastoucher ». De nouvelles médiations proposent de faire d’objets decollection des objets de médiation. Et de plus en plus de reproductions sont tendues aux mains des publics dans les visites. Certains musées font même pied de nez à toutes les autres institutions comme au musée de Tinguely qui proposel’exposition PRIÈRE DE TOUCHER.

Visuel de l'exposition Prière de toucher © Musée de Tinguely

Par convention le visiteur est éduqué à ne pas toucher dans le musée, même si l’envie de transgression est forte, il faut souvent indiquer la possibilité dele faire pour que le visiteur se permette d’apposer sa main sur les objets exposés.On notera qu’en dehors des dispositifs de médiation pour des publicsparticuliers : handicap visuel, enfant, etc., le musée a tendance à être un lieu où il faut mieux garder ses mains dans ses poches.

Enfin l’odorat et le goût sont des sens peu mobilisées dans le musée. Pourtant il existe des médiations gustatives et olfactives, mais très rare. Ces sens peuvent être au cœur de l’exposition comme lors de l’exposition Gourmandises ! – Histoire de la gastronomie à Lyon,sans pour autant être mobilisés. Des dispositifs permanents faisantappel à ces sens sont trop contraignants, et ils sont surtout une histoire demédiation ponctuelle, par exemple au musée portuaire de Dunkerque pourl’exposition Banane, un atelier de confection de cake avec ce fruit étaitproposé en médiation pour les enfants. 

Bananes suscitant le goût pour l’exposition Banane © Musée portuaire de Dunkerque

Ces médiations peuvent être nommée visite sensorielle, comme au musée de La Piscine à Roubaix[2].   

Les 5 sens sont donc beaucoup sollicités en médiation, peu de collections font appel à l’odorat et le goût, bien certains objets liés à ces sens soient inscrits dans notre patrimoine, comme le patrimoine gastronomique français. Il est déjà difficile de mettre en place des dispositifs faisant appel aux autres sens. Les enceintes des dispositif audio finissent par grésiller, les objets donnés au toucher s’abiment, les odeurs s’évanouissent et les aliments sontpérissables. Cela nécessite donc beaucoup de contraintes, et de maintenance, maiscela n’est-il pas plus intéressant de favoriser le multi sensoriel pour que le visiteur bénéficie d’une expérience de visite optimale ?

C’estun sujet large que les 5 sens au musée, pour satisfaire au mieux la soif de connaissance sur ce qui a pu être fait, l’art de muser a de quoi nourrir :

·     Quenelles, grattons, bugnes et autres spécialités des bouchons à l'honneur: médiation gustative

·        La Maison-Musée Hector-Berlioz: à voir et à entendre: médiation auditive 

·        L'alimentarium de Vevey, un musée vivant pour explorer notre alimentation: médiation gustative

·        Un audio-guide au cœur des oeuvres

·        Mmmmmmmh!: médiation gustative

·        Au musée de Flandre de Cassel, "cette oeuvre est à toucher"

·  "Touchez la musique!" Lancez vous dans le parcours du musée de la musique.: médiation auditive 

·     Au musée j'ai touché...!: médiation tactile

·     La Nuit met nos sens en éveil!: multisensoriel 

·   Faire l'expérience de la conservation-restauration à l'Ashmolean Museum d'Oxford: médiation tactile

·    La Piscine, championne de médiation: médiation olfactive 

 Océane De Souza

Le Musée de Tinguely propose des expositions basées sur les 5 sens.

Les médiations gustatives ou l’art de la mise en bouche. Emmanuelle Lambert: complément sur la médiation gustative

#5sens

#Médiation

#Rétrospective

[1] CécileCorbel, « L’intégration du sonore au musée », Cahiers d’ethnomusicologie [Enligne], 16 | 2003, mis en ligne le 16 janvier 2012, consulté le 03 janvier2017. URL : http://ethnomusicologie.revues.org/571

[2] A cepropos : http://lartdemuser.blogspot.fr/2012/10/la-piscine-championne-de-mediation.html?q=la+piscine

Les fêtes de Noël sont achevées, les magasins sont dévastés et les ventres remplis. Alors vous me direz pourquoi encore parler de Noël ?

Les fêtes de Noël sont achevées, les magasins sont dévastés et les ventres remplis. Alors vous me direz pourquoi encore parler de Noël ? Parce que pendant ce mois de décembre cette fête envahit notre quotidien et notamment la ville ! Vous pensez peut-être que ma formation me monte à la tête – vous avez raison– et que je deviens folle en supposant qu'on puisse lier la muséographie et Noël. Vous avez tort ! Voici 5 raisons qui vous prouveront à coup sûr que les muséographes que nous sommes devrions nous pencher sur cette opportunité professionnelle :

1. Une ville scénographiée

Noëls'expose dans toutes les grandes villes de France, Paris, Lille,Strasbourg, Bordeaux mais également dans les petits villages. Ellesrivalisent d'imagination pour offrir le spectacle le plus somptueux.Eclairages majestueux, grandes roues, marchés de Noël, etc. sontconçus dans un véritable programme scénographique ! Sicertaines villes ont une vision « artistique » del'agencement des décorations de Noël – on pensera à la rueFaidherbe de Lille par exemple – d'autres organisent réellementleur boulevard et place comme des scènes. Dans ce cas l'image laplus flagrante est certainement celle des Champs-Elysées !

Décoration du rond point des Champs Elysées, Crédits : Laparisienne.com

2. Un parcours de visite :

Cequi caractérise aussi une exposition est le parcours qui nous estoffert, impossible de me contredire là-dessus ! Et bien ceparcours est également proposé au sein de la ville lors desfestivités de Noël. Tout comme pour les musées les plus rigides,la ville nous contraint dans les marchés de Noël à suivre unparcours imposé dont il est quasiment impossible de dévier !Je vous mets au défi de faire le test, entre la conception del'espace – entrée et sortie bien signalées, moment-clés del'exposition avec des chalets plus importants que d'autres – et lafoule ne formant qu'un seul homme, vous suivez le parcours qu'on vousdicte !

Desparcours plus libres sont proposés également au sein de la ville,cependant des moments forts sont signalés, représentés ici par lesgrandes avenues décorées. Vous ne vous baladez pas aux hasards maisles lumières de Noël sont les lignes directrices de votre visite.

3. Des expôts dans les vitrines

Ilexiste en effet de véritables objets d'expositions, et nous lesconnaissons tous ! Chocolats, coquilles¹,jouets, tenues de soirée, etc. Les vitrines des grands magasins sontsouvent des lieux d'exposition extraordinaires, où les objets vendussont mis au second plan pour laisser transparaitre tout l'imaginairede Noël. Osez me dire que vous ne vous êtes jamais arrêtés devantdes installations mécaniques composées par exemple d'ourspolaires, de pingouins et d'inuits bougeant de manière synchroniséesur un chant traditionnel. Ces clichés si kitschs nous font rêver,c'est indéniable.

Notonsque pour une fois le public et le privé travaillent en harmonie surcette thématique, et rien que pour cela on devrait aimer Noël !

Quelquesexemples de vitrines représentant les parti-pris des magasins :

1-Noëlà Saint Pétersbourg chez Habitat (2014), vitrine classiquereprenant l'iconographie traditionnelle de cette fête © Le Journaldes Vitrines par Stéphanie Moisan

2-Vitrinesdes galeries Lafayette (2014) reprenant la tradition desinstallations mécaniques © localnomad3& 4-Franck et Fils, La Fôret Magique (2014) vision lyrique etartistique de Noël © Le Journal des Vitrines par Stéphanie Moisan(1)

4. Un contenu construit par le public

Jusqu'icije ne doute pas de vous avoir convaincu par mon exposé riche etpertinent, mais dans un coin de votre tête une question reste ensuspens, le contenu. Ne s'agit-il pas uniquement de marketing pourvendre les produits de Noël ? Et bien non pas du tout – ou sipeu – les villes sont des institutions à la pointe de la modernitémuséale, en utilisant, inconsciemment certes, la notion deco-construction. Cette notion que l'on voit exploser partout dans lesmusées, consiste à inclure la participation du public dans laconstruction du contenu et/ou de l'exposition. Dans ce cas ce n'estpas la ville qui nous propose le contenu mais bien le spectateur etles grands magasins qui co-construisent main dans la main l'histoirede Noël. Après avoir discrètement écouté les conversations despassants, ce qui ressort lorsqu'ils achètent des cadeaux hors deprix est bien que cette fête était mieux avant !

Lessujets abordés sont très souvent liés aux traditions de cette fête:

• les bougies sur le sapin, et le sapin qui brûle

• les oranges et le chocolat chaud pour les enfants

• les grandes réunions de famille où les adultes dégustaient leurs trois entrées et leurs cinq desserts, de façon bien arrosé

• les jouets en bois

• les cadeaux faits main

• l'assiette mise en plus pour l'invité inconnu

  

  La Grande Roue, Grand Place de Lille, Crédits : La voix du Nord

5. Des débouchés professionnels exceptionnels

Devantla montée du chômage, devant la baisse des subventions culturelles,Noël est un terrain à conquérir pour les muséographes que noussommes ! Scénographie, parcours, public cible, graphisme,marketing culturel, parti-pris, etc. sont des mots-clés que nousconnaissons bien ! Il nous revient donc de droit d'offrir unevision innovante sur Noël, en explicitant son histoire mais enprouvant aussi qu'elle peut être autre chose qu'une fêtecommerciale ! Faire aimer Noël, voilà notre mission !

Enplus cela nous permettrait de faire un vernissage thématique :foie gras, huitres, saumon fumé, point vin chaud et j'en passe, sontà mon sens l'argument ultime pour vous convaincre ! Alors quime suit ?

MarionBoistel

1 Cette fabuleuse brioche de Noël juste pour rappel

Gif de Noel, Crédits : petitemimine.centerblog.net

Pour sa 14ème édition, la ville de Nancy proposait un jardin éphémère permettant aux citadins de se plonger dans une forêt enchantée.

© Nancy-tourisme.fr

Pour sa 14ème édition, la ville de Nancy proposait un jardin éphémère permettant aux citadins de se plonger dans une forêt enchantée. Grâce à « Place à l’arbre », la statue de Stanislas et ses environs se paraient d’une dentelle végétale tout en plaçant au centre des attentions la figure de l’arbre. En effet, si les années précédentes les jardiniers de la Ville avaient mis en avant des dates anniversaires (205ème anniversaire du rattachement de la Lorraine à la France) ou encore questionnaient la place de la technologie dans les jardins pour l’édition passée ; cette année c’est la nature elle-même qui étaient montrée et racontée. « Place à l’arbre » vient sensibiliser le passant ou l’habitant sur le passé, le présent et le devenir de l’arbre au détour de 12 scènes végétales. Le jardin d’une surface de 3580 m² venait se déployer sous la forme en plan d’une feuille d’érable.

L’arbre. Ce végétal qui passe presque inaperçu dans nos espaces urbains vient s’épanouir au sein de cet ensemble architectural du XVIIIe siècle et révéler ses nombreux bienfaits. Par ce jardin éphémère le souhait de la Ville a été de rappeler le rôle de l’arbre comme acteur écologique et économique de notre Terre. Ainsi chaque espace d’exposition était agrémenté de textes venant informer le visiteur tant sur la surexploitation que sur l’utilisation des arbres dans le milieu médical. 

Dans cet espace de nature luxuriante pas moins de 219 arbres et 20 000 végétaux différents se côtoient. Le visiteur est invité à s’asseoir sur les bancs en bois ou à se balancer entre deux palmiers dans un hamac afin de prendre le temps, de respirer, de contempler. Dans un monde où le rythme de disparition de certaines espèces est 10 à 100 fois supérieur au rythme d’extinction naturel, l’Homme est convié à s’interroger sur le devenir de ces végétaux. On nous présente alors des plantes dites « endémiques », qui ne sont connues qu’en un seul lieu, vouées à disparaître si elles ne sont pas protégées.

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Ainsi les jardiniers de la Ville sensibilisent sur une de leur mission, à savoir la conservation et la protection de ces plantes « menacées ». Les jardins botaniques du Grand Nancy en partenariat avec l’Université de Lorraine, ont pour particularité de sauvegardes les plantes provenant des îles Mascareignes et de la Nouvelle Calédonie. Dans un propos plus large, « Biosphère III » (5ème tableau végétal), propose une prise de conscience collective en rappelant de manière poétique l’expérience « Biosphère II » (Nevada, 1987). Il s’agissait de créer un écosystème placé dans un dôme scellé, afin de voir s’il était viable pour la colonisation spatiale. L’échec de cette expérience incite donc à protéger l’existant, si dur à faire perdurer dans un écosystème qui n’est pas le sien.

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Le jardin prend aussi un souffle artistique par diverses installations. Le bourgeon, future branche et symbole de croissance vient se matérialiser sous les mains d’un charpentier des Compagnons du Devoir et du Tour de France. Ce bourgeon, en bois tortueux, vient se refléter et s’admirer dans un miroir dévoilant ainsi la naissance d’un autre. Le renouvellement de la nature est alors assuré. Cette structure vient en écho de l’œuvre du sculpteur Rachid Khimoune, l’Arbrœuf. Image d’une symbiose imaginaire entre le monde végétal et animal. L’œuf vecteur de vie, espace clôt et rassurant vient se conjuguer à la force de l’arbre, devenant le squelette de l’oeuvre.

Au détour d’un pont suspendu au-dessus d’un bassin, le visiteur survole une forêt équatoriale peuplée d’érables du Japon. Au milieu de ces végétaux aux multiples couleurs une percée noire et rouge attire l’attention. D’un coup, le croassement des corbeaux et le crépitement du bois surprend. Marc Namblar, audio-naturaliste musicien, vient manipuler les ondes sonores et plonge les passants dans une atmosphère particulière. La fumée s’échappant d’un tas de branches calcinée laisse deviner le rôle économique de l’arbre. 

Le visiteur, observateur et acteur était invité à laisser une trace de son passage grâce à une craie, faisant de son message tout comme le jardin une action éphémère dans la ville.

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Par ailleurs, cette nouvelle édition permet à la ville de Nancy de montrer son engagement écologique par le biais du plan « Zéro phyto », mis en place depuis 2005, assurant la non-utilisation de pesticides ou d’engrais sur tous les espaces verts de la ville. Pour ce tableau vivant, Pierre Didierjean, directeur des parcs et jardins de la ville de Nancy, s’est entouré dans un premier temps d’experts, avec une contribution bénévole parfois. C’est le cas de Jean-Paul Corneveau, architecte de la métropole, qui a aidé à la réalisation des structures, dont le foyer tropical. La ville met un défi supplémentaire à l’organisation de l’événement en ne mettant à disposition qu’une enveloppe de 10000€ de budget. Ainsi toutes les astuces sont permises comme la récupération ou encore l’écoconception, avec cette année la formation des jardiniers à la technique du « bois cousu ». Dans ce jardin rien ne se perd, tout se transforme. Une vingtaine de partenariat locaux a notamment permis le prêt des bancs, les perruches d’un éleveur ou encore les champignons d’une céramiste locale. L’événement automnal fermait ses portes ce 5 novembre et a comptabilisé plus de 720 200 visiteurs. Il ne vous reste plus qu’à vous réserver un week-end durant l’automne 2018 pour visiter le nouveau jardin éphémère conçu par les jardiniers de la ville de Nancy.

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Maëlle Sinou

#jardin#nature#nancy

Pour en savoir plus :

«Everyonein the world has an attitude toward tattooing. No one is indifferent to it».  Bakatyin Tucker 1981: 47[1]

Me sachant à Paris et passionnée par les tatouages, Alice, ma chère amie transalpine, chercheuse infatigable d’expositions et d’événements dans le monde entier,m’avertit : « tu ne peux pas rater Tatoueurs, Tatoués !»

Intriguée, je vais voir tout de suite le site du Quai Branly où, il y a un peu plus d’un mois, malgré l’absence d’informations détaillées sur l’exposition, j’y trouvai, triomphante,une reproduction de l’affiche.

L'affiche de l'exposition Tatouers, Tatoués |© Musée du Quai Branly

Je me dis, toujours le mêmecliché : c’est le corps d’une femme qui est représenté, nu, à l’exception desparties non tatouées puisque de toute façon elles ne nous disent rien de plussur ce corps. Tout ce qui parle aux yeux est là, dans sa partie centrale –justement celle qui est représentée – celle qui montre la peau marquée par deuxdes sujets classiques les plus légendaires : un dragon et une fleur depivoine.

Une semaine après l’inaugurationde l’exposition, sceptique depuis ma découverte de l’affiche, je me dirige versla mezzanine ouest du musée où dialoguentles cultures.

            C’estl’arrivée des beaux jours à Paris, les manches des chemises retroussées et leschevilles découvertes laissent entrevoir les corps des visiteurs touchésprofondément par la question : il y a beaucoup de tatoués, et parmi euxpeut-être même des professionnels du milieu.

Bien que l’expositions’adresse évidemment à tout le monde, c’est eux dont elle parle, c’est euxqu’elle montre : les tatoueurs, les tatoués, et tous ceux qui, au fil dutemps et dans différentes parties du monde ont été happés par ce phénomène, ontécrit son histoire et déterminé sa complexité actuelle, l’amenant à assumer cescontours et nuances pour lesquels nous le connaissons aujourd’hui.

Depuis longtemps, si denombreux anthropologues s’interrogent sur les origines du tatouage et despsychologues cherchent les motivations profondes qui conduisent à prendre ladécision de marquer sa propre peau, ce n’est que plus récemment que, dans denombreux pays, les médecins se sont intéressés à ce phénomène, veillant à ceque les normes de salubrité dans lesquelles la pratique est effectuée soientrespectées.

Mais tous les aspects et les questions soulevéspar l’encre sous la peau n’ont pas encore été mis en évidence. Unexemple ? Sa valeur artistique. A ce propos il y a encore beaucoup à direet Tatoueurs, Tatoués vise précisément cet objectif, aller un peu plusloin, sonder cet aspect trop souvent pris pour acquis – le tatouage est une pratiqueartistique – qui le rend invisible aux yeux des critiques potentiels et deschercheurs du secteur artistique.

          Pourarriver à aborder le sujet du tatouage contemporain comme une forme d’art, Anneet Julien – commissaires de l’exposition, ainsi que fondateurs de la revue HEY!Modern, art and pop culture – ont fait un pas en arrière juste etnécessaire se montrant des vrais connaisseurs en la matière.

L'un des 13 volumes de jambe, de buste et de bras en silicone réalisés par desmaîtres de l’art contemporainedu tatouage | © Musée du Quai Branly 

            Levoyage sous la peau commence par un cadre historique du phénomène. Le visiteurest pris par la main, mais on le laisse libre de s’arrêter, d’une station àl’autre, où son intérêt est sollicité... Et il y en a vraiment pour tous lesgoûts! En effet, il y a plus de 300 œuvres exposées – dont une trentaine spécialementconçues pour l’occasion – qui caractérisent, avec leur spécificité, les cinqriches sections dans lesquelles l’exposition est divisée.

Mais reprenons du début.

          C’est par une carte des peuples tatoués à travers le monde que commence levoyage-aperçu des fonctions principales qui ont été attribuées, au cours del’histoire, à ce signe sous la peau, aussi bien ailleursqu’en Occident.

Indicateur du rôle social,lié à la sphère du religieux ou impliqué dans les dynamiques de la mystique,les significations et les rôles historiquement attribués au tatouage dans lessociétés soi-disant « primitives » sont représentés, entre autres, parun manuscrit original du XIXe siècle appartenu à un tatoueur birman et par quelquesbandes de peau humaine tatouée au Laos, qui, dans la même période ont remplileur fonction  essentiellementmagico-religieuse.

Une toute autre histoire, ensuite,est celle du tatouage en Occident, une histoire de marginalité et d’exercice dupouvoir sur des corps « faibles » : de l’antiquité classiquejusqu’au XIXe siècle, avec de rares exceptions, le tatouage était en fait considérécomme le « signe de Caïn », une expression de la brutalité primitiveou bien le signe infâme sur les peaux des prisonniers, des esclaves, desdétenus, des prostituées et des sujets marginaux en général.

            Lestémoins de cette partie de son histoire sont les corps tatoués des femmesarméniennes qui ont réussi à s’échapper du génocide dans les années vingt, maisaussi ceux qui sont accusés par l’anthropologie positiviste de Lacassagne et deLombroso de contenir en eux-mêmes la déviance dont les tatouages n’auraient étéque l’expression.

A la fin Du global aumarginal – la première étape de notre voyage – le ton devient plusléger : le public est transporté dans la dimension passionnante des sideshows d’hier où, grâce à un film réaliséspécialement pour l’occasion, les étalages de corps à la frontière entre l’horribleet le merveilleux sont habilement rapprochés du tournage de plusieursperformances des conventions de tatouage contemporaines qui se révèlent n’êtreque leurs héritiers.

Les bases sont posées, levisiteur est familier avec le sujet, le chemin peut enfin prendre une tournureartistique, le propos même de l’exposition. A partir d’Un art en mouvement,en effet, l’accent est mis sur l’aspect artistique du tatouage, basé sur uncritère principalement géographique, proposant une rétrospective de toutes leszones géographiques considérées emblématiques à cetégard.          

Place donc aux foyerscréatifs : le Japon, l’Amérique du Nord et l’Europe, qui avec leurscaractéristiques stylistiques, les noms des grands maîtres et une longue listede dates clé, ont contribué à la diffusion de la pratique et à son élévation austatut d’art.

Peau neuve: renaissancedu tatouage traditionnel – noussommes arrivés à la troisième station – qui se tourne vers les régions de la Nouvelle-Zélande,Samoa, la Polynésie, Bornéo et encore l’Indonésie, les Philippines et laThaïlande.

A ce moment là une questionlégitime se pose : quel est le critère de cette association ? Ce quiréunit ces domaines est la révolution qui a renversé leurs stylestraditionnels. Ces derniers, à la suite des contacts avec l’autre et les échanges avec le mondeextérieur, ont subi des modifications importantes et ont émergé sous une formenouvelle, la forme hybride des nos jours.

Nouveauté et contemporanéité sont les sujetsdont traitent les deux dernières sections, celles qui parlent le plus aux yeuxdes visiteurs : Nouveaux territoires du monde et Nouveaux encrages.

          Dansl’avant-dernière partie ce sont les nouvelles écoles de tatouage en Chine et cellesliées au tatouage latino et chicano qui sont les protagonistes : exemplesemblématiques du mélange de codes, ces écoles offrent des résultats atypiques, fruitsdes influences de l’iconographie populaire traditionnelle et d’images tirées dela vie quotidienne.

         Levoyage se termine sur huit photographies,[2]accompagnées du film Mainstream Mode, qui interrogent le public sur lemode inédit d’expression de nombreux artistes-tatoueurs contemporains. 

          Nevous inquiétez pas, ce n’est que le voyage de cette exposition qui setermine ! Le Quai Branly ne s’arrête pas là et, à partir de Tatoueurs, Tatoués, crée plus d’occasionsde pénétrer sous la peau.

Il fautvoir la boutique du musée qui propose un large éventail de titres : nonseulement le catalogue de l’exposition mais des textes rares à côté desdernières sorties éditoriales.

En outre,sept spectacles sont prévus, à partir du 31 mai, pour accompagner le publicdans l’épopée du tatouage du XVe siècle à nos jours.[3]

Je sors seule de lamezzanine ouest du musée Branly, le scepticisme avec lequel j’avais franchi leseuil deux heures avant s’est évaporé là, à une desstations du voyage, ne demeure qu’une interrogation persistante : le tatouage est-il ou n’est-il pasde l’art ?

Ne suivez pas cescepticisme, ou vous serez probablement déçus.

Tatoueurs, Tatoués en fait, se pense bien plussubtilement au-delà du réductionnisme de la relation question-réponse. S’il ne vous fournit pas une seule réponse définitive, en fait,c’est tout simplement parce qu’il n’y a pas de réponse définitive quant à l’épineusequestion. Cette exposition est d’autant plus remarquable qu’elle ouvre une voiejusqu’ici peu empruntée, devenant ainsi l’endroit idéal où s’interroger.

Rodée aux expositions surle tatouage, je suis particulièrement satisfaite de celle-ci, je sors intriguéeet intéressée, et tourne mon regard à nouveau vers l’encre sous ma peau.

BeatricePiazzi

#QuaiBranly #tatouage

#art

#corps

[1] TUCKER, M.(1981), “Tattoo: the state of the art”. Dans Artforum International Magazine, New York, pp. 42-47.

[2] La relation entre tatouage et photographie a été questionnée récemmentpar le magazine en ligne Our age isthir13en | http://www.ourageis13.com/dossiers/semaine-du-19-05-14-tatouages-histoires-et-regards/

[3] La programmation Autour del’exposition est disponible en ligne | 

http://www.quaibranly.fr/fr/programmation/expositions/a-l-affiche/tatoueurs-tatoues/autour-de-lexposition.html